viernes, 3 de diciembre de 2010
jueves, 2 de diciembre de 2010
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor Jan van Eyck, Este cuadro representa a Giovanni Arnolfini un rico mercader y a su esposa Jeanne Cenami, quienes vivian en la cuidad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472.
Esta pareja aparece de pie, en su alcoba. El espeso le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. Esta obra refleja claramente el estilo del autor el cual se caracterizaba por ser un primitivo flamenco donde sobresalen la minuciosidad porque es una pintura concebida para la exhibición domestica, lo que permite verla de cerca, los detalles se plasman con una escrupulosidad microscópica. El deleite en la reproducción de objetos, el naturalismo pues el autor se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor exactitud posible, aunque al ojo moderno la imagen parezca escasamente realista. La preocupación por la luz y la perspectiva también es importante en este cuadro, la luz que penetra por la ventana es suave y envuelve las formas delicadamente, la claridad se disuelve, poco a poco, en una atmósfera tangible.
En este cuadro también se puede ver muchos objetos los cuales aparecen sin justificación aparente. Como se puede apreciar en el cuadro todo nos da una sensación de riqueza de la pareja.
La alfombra que hay junto a la cama es muy lujosa y cara, muestra la fortuna y posición de la pareja. Los zuecos esparcidos por el suelo representan el vínculo con el suelo sagrado del hogar, ya que ellos están descalzos. También son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa. Los zapatos de ella son rojos, están cerca de la cama simbolizando que era la encargada del hogar; los de él simbolizan que es él el encargado de trabajar para llevar la prosperidad económica a la casa.
BIBIOGRAFIA
· Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, wikipedia, (online)
http://es.wikipedia.org/wiki/Matrimonio_Arnolfini
El “David” de Miguel Ángel y Miguel Ángel Rojas
El “David” de Miguel Ángel y Miguel Ángel Rojas
El David es una escultura realizada por Miguel Ángel Bounarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia. Es una escultura de mármol blanco de 4,1 metros de altura. La escultura representa al Rey David en el momento previo a enfrentarse con Goliat y fue acogida como símbolo de la Republica de Florencia.
Miguel Ángel nació en Caprese el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma de 18 de Febrero de 1564, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
El David de Miguel Ángel contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. Pero en la versión de Miguel Angel Goliat todavía no aparece todavía vencido. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto. El contrapposto se usa en la escultura para dar sensación de movimiento, su cuerpo se encuentra girado, la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso aparece curvado, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida y la mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.
En el Alto Renacimiento, el contrapposto era considerado un símbolo de la escultura antigua, muy apreciada en la época. El David llegó a convertirse en el paradigma de la escultura renacentista gracias a su inteligente uso del contrapposto. Las proporciones del David no corresponden exactamente a las de la figura humana; su cabeza, manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones del ser humano.[1]
Miguel Ángel Rojas es un artista conceptual colombiano, nació en Bogotá en el año de 1946. Su obra expresada a través del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática relacionada con el consumo y la producción de drogas.
El cuerpo herido del soldado profesional José Antonio Ramos se convirtió en el 2005, luego de pasar por la mirada del artista Miguel Ángel Rojas, en una de las obras más significativas del arte colombiano. Resume mediante un acercamiento estético la tragedia de la guerra y lo que puede llegar a significar.
Lo que pocos saben es que esa docena de fotos, de dos metros por uno, es la mitad de la propuesta del artista bogotano. La otra parte, igual de importante a los ojos de su autor, está conformada por lápices que forman la palabra "Quiebramales".
Por eso la instalación, que es la totalidad de la obra, no se llama David, como es conocida popularmente, sino David-quiebramales.
La historia de la foto cuenta: A las siete de la mañana, aparecieron como 12 soldados heridos. Todos tenían amputaciones, pero había uno en una esquina, muy digno". Era José Antonio. En una sesión hicieron fotos de sus piernas, pero el artista pronto entendió que solas no daban la dimensión de la pérdida. Faltaba el cuerpo. En su búsqueda, un video, trató de hacer un molde del cuerpo, hasta que decidió hacer fotos. Al verlo desnudo, Rojas se dio cuenta de que tenía un cuerpo clásico. "¿Le dije: por qué no me posa como el David? Pero él me preguntó: `¿Qué David?' Me di cuenta de su ignorancia, que nunca había visto el David ni sabía quién era su autor. Menos qué fue el Renacimiento. "Me pregunté: ¿Por qué él, alto, blanco y con tipo europeo es carne de cañón, y yo, que soy bastante mestizo, estoy como el intelectual que lo maneja? La respuesta es la educación. Porque mi padre me dio educación; no estuve en el lugar de un soldado raso".[2]
Anteriormente tenemos dos trabajos que nos quiere mostrar el mismo concepto. El concepto de un joven después de la guerra, vemos como en los dos trabajos se puede percibir el dolor del ser humano después de la guerra, después de ser maltratado por la violencia. Estos dos trabajos en cuando a visualización son muy diferentes ya que el David de Miguel Ángel es realizado completamente en yeso y una época muy diferente al David realizado por Migue Ángel Rojas.
El David de Miguel Ángel fue hecho entre 1501 y 1504 una la época del renacimiento en la que estas esculturas son recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Aquí se puede ver la diferencia grande entre la otra propuesta de Miguel Ángel Rojas ya que en esta época no existía la fotografía y todas las obras de arte eran completamente realizadas a mano y no tenían ningún tipo de digitalización. Lo contrario que pasa con el David quiebramales propuesto por Miguel Ángel Rojas, que vemos como el joven que tiene amputada una mano le posa al autor para una sesión fotográfica. En esta foto se puede apreciar el arte de la fotografía ya que nos deja ver claramente la expresión que tiene el joven de tristeza y de desolación en al fotografía, mostrándonos un rostro ignorante y desolado, completamente derrotado por al guerra que se vive ene le momento.
Entre estos dos trabajos encontramos una diferencia y es que en el David de Miguel Ángel es el cuerpo de Goliat asesinado pero en la escultura Goliat todavía no aparece todavía vencido. Lo contrario que nos muestra el David Quiebramales que aparece en al foto con una pierna amputada lo cual nos indica que fue derrotado y maltratado por la guerra. Entonces aquí podemos encontrar la diferencia entre la época que fueron elaboradas estas obras de arte. La de Miguel Ángel en 1501 y la obra de Miguel Ángel Rojas en el 2005 una época que evidentemente nos refleja un país que vive la violencia día a día.
BIBLIOGRAFIA
· David de miguel angel. Wikipedia.com. (online).
http://es.wikipedia.org/wiki/David_de_Miguel_%C3%81ngel
· Miguel Angel Rojas, el David-quiebramles. (online) http://www.colarte.com/recuentos/R/RojasMiguelAngel/critica.htm
domingo, 28 de noviembre de 2010
BUENOS AIRES, ¿UNA CUIDAD EUROPEA?
BUENOS AIRES, ¿UNA CUIDAD EUROPEA?
El olor de Buenos Aires, tan eterno como el agua y como el aire, como diría Jorge Luis Borges no es más que el recuerdo de los embelecos fraguados en la Boca, de una suestada proveniente del occidente que trae en su espíritu esa Vieja Europa, de donde Juan Díaz y otros más arribaron a Río del Plata. Esa es Buenos Aires, un ritmo de tango y bailarines vestidos de negro que hay en San Telmo y un paisaje que nos muestra que Europa, no está a millas del Atlántico; que no está tan lejos como creemos.
Muchas personas han dicho que Buenos Aires, es la Europa de América Latina, y, aunque en muchos países han tenido influencias arquitectónicas de artistas europeos, en Buenos Aires se refleja con mayor intensidad en sus edificaciones con un estilo muy francés. Sus calles y monumentos son obras inspiradas en obras renacentistas muy parecidas al periodo renacentista italiano y en general, la manera como está organizada la ciudad difiere de una forma muy particular desde el punto de vista estético.
Culturalmente, Buenos Aires en cuanto a gastronomía tiene mucha influencia europea así como el mismo pensar colectivo de la sociedad, pues es evidente el arraigo de las personas. El tango y las calles viejas, los sabores del buen vino se asemejan en calidad a lo que el occidente ofrece.
Cabe anotar, que Buenos Aires es uno de los lugares en donde mayor número de inmigrantes europeas llegaron, especialmente italianos los cuales se establecieron en el sur del país, lo que hoy en día conocemos como los gauchos.
Es así como se puede en los diferentes lugares de Buenos Aires, construcciones, parques, casas coloniales, restaurantes, entre otros la gran similitud que tiene esta cuidad con una cuidad europea, no solo físicamente si no, también culturalmente.
EL ARTE, EL DIBUJO Y LA FOTOGRAFÍA
La pieza gráfica realizada muestra la unificación de las diferentes ramas del arte de 3 eras de la historia: antigua, contemporánea y moderna.
En la era antigua el gran avance fue la aparición de la escritura la cual fue generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. Cabe destacar que fue realizada en tablas de arcilla y se basaba en pictografías, a las que se le agregan más adelante anexos silábicos. En la pieza gráfica se representa con el retrato del cantante Ricardo Arjona, en la tapa de su último CD “5to piso”. La elección de la figura de este artista y su último trabajo discográfico fue hecha teniendo en cuenta la era contemporánea, más precisamente la música.
La transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo, un movimiento cultural, estético e intelectual que surge a partir del romanticismo en la segunda mitad del siglo XIX, en Francia. Su influencia llegó a las artes literarias y musicales. Desde mediados de siglo se continúa experimentando en este ámbito y en la diversidad de sus conceptos incorporando nuevas técnicas y efectos sonoros (ya sea en los elementos utilizados para su producción y realización como los avances de postproducción).
También fue utilizada la fotografía en la pieza, uniendo la era contemporánea con la moderna. Los primeros descubrimientos de esta técnica se realizaron en el año 1816 a cargo de Joseph Nicéphore Niépce utilizando un negativo sobre papel, técnica que fue evolucionando con el tiempo. Nuevamente tenemos que hablar de la evolución de la tecnología para poder decir que en el siglo XX y XXI, la fotografía se popularizó y es utilizada tanto por profesionales como no y, teniendo en cuenta que es un procedimiento que necesita únicamente conocimientos técnicos y que sus precios son accesibles, se logró insertar en las sociedades materialistas y consumistas actuales.
Entonces en esta pieza se puede ver perfectamente como están relacionadas dentro del ámbito del arte tanto el dibujo como la fotografía. Cómo se puede jugar con estos dos conceptos y hacer una pieza de arte.
jueves, 14 de octubre de 2010
LA FOTOGRAFIA: CAMINO HACIA LA ERA DIGITAL
LA FOTOGRAFIA: CAMINO HACIA LA ERA DIGITAL
(…) la necesidad, madre de todas las invenciones fue enseñándoselos[1]. Dijo alguna vez Thomas Hobbes, filosofo ingles cuyos pensamientos sobre la filosofía política, la naturaleza humana y el orden de la sociedad convergerían con los años primitivos y mas adelante, con el pensamiento colectivo del hombre por crear lo que parecía imposible, por imaginar lo inalcanzable. De esta manera el ser humano siempre ha estado suscito al cambio, debido a la diferentes necesidades que se le han presentado a lo largo de su existencia. Es entonces cuando aparecen los mas grandes inventos de la historia como es el caso de la fotografía y la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo[2] aspectos que se trataran en el siguiente ensayo, en donde de una manera sintética será un recorrido por la historia de la fotografía desde sus inicios hasta la nueva era.
Los antecedentes de la fotografía, como en muchas ramas de la historia han sido hasta ahora inciertos. Algunos escritores han dado fe en decir que el origen mas remoto de este estudio fue a principios del siglo XI cuando el árabe Ibn Ai-haitham estudio los eclipses de sol y de luna haciendo pasar los rayos de luz por un pequeño agujero en un cuarto o cámara oscura. Contrariamente, otros se atreven a asegurar que fue Aristóleteles quien propuso que los elementos que constituían la luz se trasladaban desde los objetos hasta el ojo observador. Así, construyo la cámara oscura como un instrumento en donde “se hace pasar la luz a través de un agujero hecho en un cuarto cerrado por sus lados. En la pared opuesta al agujero, se formara la imagen de lo que se tiene en frente”[3]. Sin embrago, otras teorías occidentales datan del siglo XVII del Renacimiento, afirmando que la primera publicación sobre la cámara oscura es Cesare Cesariano, alumno de Da Vincci, con quien no se le dio la aplicación como un instrumento auxiliar para el dibujo hasta el siglo XV. Ya mas adelante algunos artistas como Vermeer Utilizaban las cámaras oscuras como un instrumento de ayuda es sus bocetos y elaboración de sus pinturas y otros como los científicos británicos Thomas Wedwood y Humphy Davy, cuyos experimentos a finales del siglo XVII lograron obtener imágenes fotográficas a partir de compuestos de plata.
A pesar de todo, queda claro que fue la cámara oscura la herramienta mediante la cual empezaron a evolucionar los nuevos métodos de hacer fotografía. Sus contantes mejoras en diseño, tamaños y materiales como lentes y ópticas permitieron el rápido avance en este ámbito hasta el siglo XIX, el siglo de nacimiento de la fotografía.
Fue exactamente en 1816, gracias al científico francés Nicephore Niepoe, que se obtuvo la primera imagen fotográfica expuesta a la luz, titulada vista desde la ventana en la Gras mediante el uso de un cámara oscura. En búsqueda de una solución, ya que la imagen necesitaba una cantidad de obras determinada para ser obtenía fue Luis Daguerre en 1839 quien utilizo un nuevo proceso para obtener imágenes en menos exposición a la luz; el daguerrotipo, el cual se volvió popular en la clase media burguesa de la revolución industrial. Sin embrago, uno de los inconvenientes de daguerrotipo era la imposibilidad de obtener negativo, es decir que no era posible hacer copias a menos que se repitiera el proceso. A eso, surge un método creado por William Fox Talbot; el calotipo el cual permitía positivar una imagen las veces que se quisiera gracias al uso del cloruro de plata.
LA FOTOGRAFIA Y EL AUGE COMERCIAL
Un paso importante en el desarrollo del estudio de la fotografía, fue le nacimiento de la fotogracia a color obtenida por primera vez por James Clerk Maxwell en 1861. Es en 1888 que la fotografía alcanza su mayor auge en donde los métodos, materiales químicos y mejoras de blanco y negro empiezan a crecer. Técnicamente, aunque ya había una fotografía a color, la industrialización de esta no llega sino hasta 1907 con la primera película fotográfica en color, Autochrome Lumiére. A partir de entonces empiezan a surgir películas fotográficas modernas como la Koda Chrome en 1935 y la Agfacolor en 1936.
El siglo XX para la fotografía fue trascendental hasta 1945 periodo aproximado en que se termina la segunda guerra mundial. En esta época es cuando se empieza a hablar de periodismo fotográfico, pues es gracias a las imágenes captadas por los militares de la guerra, que el mundo entero empieza a conocer el realismo y vanguardias históricas influyentes. A pesar de esto, no es sino que Erik Salomón en Alemania logra introducir el concepto de fotografía cándida o foto live en donde el publirreportaje de los acontecimientos es basado en hechos y situaciones reales, en donde el fotógrafo muestra la realidad tal y como es, es decir que hay espontaneidad en los sujetos no como solía pasar anteriormente.
Otra de las aplicaciones de la fotografía se empezaron a hacer mas evidentes en el campo artístico como en la artes visuales y la fotografía de paisaje, ahora, el estudio fotográfico dejo de cumplir la función ”auxiliar científico de la observación de la realidad” como dicen algunos autores, sino que empezó a fundirse en la sociedad como una forma de entretenimiento y arte o pictoralismo, iniciativa surgida en Europa hacia 1890, en donde el autor podía alterar la imagen y crear una obra artística. Algunos de los mas conocidos fueron el comandante Puyo y Meter Henry Hemerson.
En los restantes del siglo como en la décadas de los 60´s aparecen los primeros VTR (Video Tape Recorder) capaces de capturar imágenes en televisión apoyándose en esto, la NASA puede capturar las primeras fotografías satelitales,
LA FOTOGRAFIA EN LA ERA DIGITAL
Es a principios de siglo XXI en 1990 que aparece quizá el mayor invento fotográfico: la cámara digital. La revolución digital de la creación inmediata de imágenes[4] se enfrentan a una serie de opiniones que desbancan el pensamiento de la fotografía real al testimonio, es ahí cuando aparece el foto montaje como una de las nuevas formas de arte digital. Muchos escritores hablan en esta época de la perdida de la objetividad de la fotografía en donde se empieza a hablar de la era post fotográfica; la realidad y la virtualidad son una sola cosa, un nuevo tipo de imagen manipulada por los diferentes programas del siglo ideales para el retoque y la fusión de imágenes. Uno de los personajes más importantes de la era digital es Nancy Burson.
Actualmente podemos ver en la galería de fotos en el Museo de Arte del Banco de la Republica exposiciones de fotos de autores como Juan Fernando Herrán, Nelson Vergara, Miguel Ángel Rojas, Oscar muchos entre otros, los cuales nos dejan ver una fotografía moderna ya que en sus trabajos fotográficos no solo están la fotografía plana como tal, sino también dejan jugar la mente del espectador haciendo de la fotografía algo mas didáctico.
Un trabajo donde podemos ver la belleza del cuerpo humano plasmado en una plancha a base de agua y material polvo, vemos como le cae una gota de agua aproximadamente cada 2 minutos y dan la sensación de dispersión de la imagen al ojo del espectador. También se puede apreciar imágenes vistas con un binocular el cual nos permite ver la imagen tridimensional captando absolutamente todos los detalles de la misma acercándola al ojo humano.
Como se dijo anteriormente la fotografía a cambiado en muchos aspectos pero la mas importante es que la fotografía ha dejado de ser una imagen plana y solida como se veían en los tiempos anteriores para pasar ser una imagen manipulada por el artista donde permite el retoque y el juego con la imagen.
No cabe la menor duda lo importante que fueron todos estos avances para las diferentes aplicaciones que tiene la fotografía en campos publicidad, la cual tuvo a sus pies la mejor manera de representar nuevos conceptos que antes era más difícil. Igualmente el periodismo se ha apoyado en la tecnología de punta que la era digital ha traído con nuevas cámaras, espacios y capacidad de fotografiar y tener la oportunidad de ver la imagen inmediatamente.
Nuevos inventos recientes, como facebook le han dado ha este campo u valor de entretenimiento porque como dice Steve Mc.Curry “si sabes esperar la gente se olvidara de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz”
Bibliografía
· DosAlfiles: Dieseño Web y programación. Frase y oensamientos (online). http://www.frasesypensamientos.com.ar/frase-de-necesidad_5.html
· Historia de la fotografía (online)
http://www.foto3.es/web/historia/historia.htm
· BLOGS FARM. La era digital de la fotografía (online)
http://haciendofotos.com/la-era-digital-en-fotografa/
[1] DosAlfiles: Dieseño Web y programación. Frase y oensamientos (online). http://www.frasesypensamientos.com.ar/frase-de-necesidad_5.html
[2] Historia de la fotografía (online)
http://www.foto3.es/web/historia/historia.htm
[3] Ibid.
[4] BLOGS FARM. La era digital de la fotografía (online)
http://haciendofotos.com/la-era-digital-en-fotografa/
LA ROSA PERFECTA
“La Rosa Perfecta”
Muriel Angulo
La rosa perfecta es un conjunto de las obras de Muriel Angulo, expuestas en la Alonso Garcés Galeria. Angulo nació en Cartagena, estudio pintura en el taller de David Manzur, en 1985 viaja a la ciudad de Nueva York para inscribirse Art Student League y cuatro años más tarde se radica en el D.F, para estudiar dibujo.
En la exposición se puede apreciar obras pintadas en oleo sobre lienzo y sobre madera. Esta artista cartagenera, inicio esta exposición en el 2003 la cual se basa en la investigación de la educación femenina. Para ella “la representación de lo femenino se centra en la figura simbólica de la rosa”.[1]
En la exposición se puede apreciar un cuadro grande en el cual la artista pone en forma lineal y en grandes cantidades pétalos de rosas. Me pareció que fue una representación muy sobria de lo que significa la delicadeza y el romanticismo de una mujer clásica. Puede apreciar también como tantos pétalos de rosa en un mismo cuadro, muestra la belleza pura del ser femenino.
Este juego que hace Muriel Angulo con los pétalos de rosas, me hizo sentirme en un ambiente frio y conmovedor ya que para mi representan la lucha y la guerra que la mujer como agente femenino a tenido que luchar para ser aceptada en esta sociedad que hoy en día, aún sigue siendo machista. Se simboliza la lucha por medio de los pétalos rojos como la sangre derramada por la mujer en esta constante lucha por la libertad, pero la artista tiene mucho cuidado en representarlo de una manera pura y bella con las características femeninas de la mujer.
Esta obra me pareció una pieza monótona ya que los pétalos de rosa están perfectamente organizados y todos con un mismo color y brillo, lo cual no me despertó nada de emoción ya que siempre vi lo mismo repetidas veces. Lo que no quiere decir que es una bonita forma de representar la igualdad que la sociedad ha expuesto en las mujeres.
El concepto que pude apreciar de esta obra, es claramente la representación de la mujer y su difícil situación que ha tenido durante estos últimos años tras la constante lucha por su libertad y aceptación en la sociedad. Lo cual lo representa de una manera romántica y muy seductora, mostrando así unas de las características mas importantes del la mujer femenina utilizando la sobriedad con el color rojo en tonos fuertes.
BIBLIORAFIA
· Actualidad de arte y cultura. Universia, extroversia, ocio-cultura Colombia (ONLINE) http://extroversia.universia.net.co/html/arteylit/index.jsp?actualConsecutivo=2255
· Eltiempo.com arte. La obra de Muriel Angulo es una muestra de rosas tristes hechas en serie. (ONLINE) http://www.eltiempo.com/culturayocio/arte_eltiempo_vivein/ARTICULO-WEB-PLANTILLA_NOTA_INTERIOR-7840265.html
[1] Actualidad de arte y cultura. Universia, extroversia, ocio-cultura Colombia (ONLINE) http://extroversia.universia.net.co/html/arteylit/index.jsp?actualConsecutivo=2255
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